Plusieurs chemins mènent à l'art : SlowArtDay 2018

Le samedi 14.4.2018 était à nouveau #SlowArtDay. De nombreux musées ont proposé des visites guidées, par exemple, pour que les visiteurs* s'attardent plus longtemps et plus consciemment devant les œuvres d'art. Le MKK de Francfort a également fait des suggestions sur son blog sur comment rendre votre visite plus avisée.

Dans ce contexte, Barbara Weber-Dellacroce nous fait part de ses réflexions sur un livre qu'elle a récemment lu.

La journalist Elena Goukassian a posé la question suivante le 8 janvier 2018 sur la plateforme en ligne Hyperallergic: "Is There a Right Way to Look at Art? consiste à regarder une œuvre d'art pendant quinze minutes sans contexte - la meilleure façon de l'apprécier et de la comprendre". Ce faisant, elle se réfère au nouveau livre du marchand d'art new-yorkais Michael Findlay : Seeing Slowly : Looking at modern art (Prestel New York 2017).

L'essentiel de la déclaration de Findlay se trouve probablement dans cette phrase : "Ma conviction fondamentale est que lorsqu'il s'agit de moments, nous faisons l'expérience de véritables grandes œuvres d'art, aucune information n'est nécessaire (p. 104). J'ai été inspiré à lire ce livre par le fait que je voulais comprendre pourquoi Findlay rejette si catégoriquement les audioguides et les smartphones dans les musées d'art, par exemple, et quelle est sa façon d'accéder aux œuvres d'art. Plus précisément, je voulais comprendre comment le "visiteur moyen" peut le faire sans aucune aide. Ce "visiteur moyen" sans grande connaissance préalable, il l'envie finalement : "J'envie la femme, l'homme ou l'enfant, en visite au musée Van Gogh d'Amsterdam, qui se tient devant ce tableau sans être instruit par la vaste littérature, haute et basse, sur l'artiste" (p. 105).

Tout d'abord, j'ai trouvé le livre très inspirant d'une part, mais d'autre part, il était très unilatéral et pittoresque en noir et blanc.

Dans son livre, Michael Findlay traite presque exclusivement de l'art moderne et contemporain. Dans les musées d'art, il existe certainement d'autres règles en matière d'utilisation des instruments de médiation que dans les musées historiques, d'histoire naturelle, archéologiques ou autres. Pourtant, ce refus total de l'interrogation m'a semblé digne.

Dès le début, Findlay a postulé une opposition presque mutuellement exclusive entre "information" et "engagement". Pour illustrer cela, il utilise des formulations fortes comme "Tous les autres, de l'écrit à la dernière application, ne servent qu'à subvertir notre engagement avec l'art" (p. 97).

Pour lui, le véritable plaisir de l'art consiste en une sorte de dialogue contemplatif avec l'œuvre d'art qui vous attire dans la collection. L'"engagement" et l'"émotion" sont ici des concepts centraux.

Findlay est à envier qu'il puisse atteindre cet état sans l'aide d'un expert et qu'il y trouve son épanouissement. Cependant, il apporte également à l'exposition une connaissance approfondie d'expert, sur laquelle il nous informe librement, presque en flirtant avec elle. Cependant, le sentiment s'est emparé de moi à maintes reprises que ce fait même pourrait remettre en question ses thèses. Ainsi, il ne discute de la vision totalement impartiale de l'art qu'en théorie, il ne peut ignorer ses connaissances. Il lui est donc très facile de rejeter tous les outils de médiation, qu'ils soient analogiques ou numériques.

Bien sûr, il a raison jusqu'à un certain point lorsqu'il se plaint de la distraction causée par les outils de médiation. De nombreux visiteurs ne se concentrent pas en premier lieu sur les objets exposés, mais sur "l'environnement". Dans de nombreux cas, on peut se demander s'ils "voient" vraiment l'art. À mon avis, cependant, ce n'est pas la bonne façon de diaboliser les outils de médiation. Nous pouvons parler de la façon dont ils sont utilisés, mais pas de leur nécessité. Dans la ligne de son argumentation, la médiation culturelle numérique doit avant tout être rejetée. Par exemple, il qualifie la "semaine du musée de l'auto-détermination" d'étrange émanation de la médiation culturelle (p. 146).

Existe-t-il ne serait-ce qu'une seule bonne façon de regarder l'art ? La réponse est évidente. Bien sûr que non ! Les visiteurs du musée sont si différents dans leurs intérêts, leurs conditions et leurs besoins qu'il ne peut y avoir de panacée.

Le musée Van Abbe à Eindhoven, aux Pays-Bas, par exemple, a un concept complètement opposé. Ici, les œuvres d'art sont si explicitement contextualisées et mises en scène qu'une vision pure de l'art n'est guère possible.

Je soupçonne cependant que l'approche de Findlay peut être source de difficultés pour la plupart des visiteurs. Même si l'un des objectifs de la méthode de Findlay est de libérer le visiteur de la peur de paraître ignorant ou non éduqué sans connaissance préalable, je ne pense pas que la majorité des visiteurs se sentiront ainsi. Dans leurs études, les scientifiques de l'image n'apprennent pas seulement des faits et des connaissances de base sur les artistes, les œuvres d'art et les époques, c'est-à-dire le contexte dans lequel les œuvres d'art ont été créées. À mon avis, ce qui est beaucoup plus important, c'est le fait qu'on nous ait donné les outils pour approcher les œuvres d'art sur place. Des méthodes scientifiques de visualisation et de description des images, ainsi que des moyens d'explorer leur signification et de classer les œuvres d'art. Ce n'est certainement pas la seule façon d'approcher l'art, mais nous avons ces outils, nous ne pouvons pas les rabaisser, et nous pouvons donc créer notre premier accès à des œuvres d'art qui nous sont inconnues, presque sans crainte. Tout le monde sait cela à son sujet. En règle générale, nous avons tendance à éviter les sujets qui nous sont étrangers ou à ne les aborder qu'avec hésitation et réserve. L'éducation culturelle, et dans le monde d'aujourd'hui surtout l'éducation culturelle numérique, a la tâche de construire des ponts. Cela signifie non seulement la promesse d'une médiation de l'information, mais aussi des approches divertissantes et participatives. Mais Findlay est également très critique à l'égard de ces méthodes. "... la culture doit être "divertissante" pour être commercialisée auprès d'un large public, ce qui amène les fournisseurs de contenu (responsables de musées, éditeurs et autres) à présenter l'art moderne comme un amuse-gueule de divertissement. (p. 108) Je ne comprends pas bien pourquoi la culture ne devrait pas être simplement amusante.

Les audioguides, les applications et autres outils numériques peuvent, s'ils sont utilisés correctement, offrir tout cela aux visiteurs qui le souhaitent et se sentent bien accompagnés par lui. Ceux qui ne le souhaitent pas peuvent ignorer les offres. Regarder une œuvre d'art complètement hors contexte n'est à mon avis ni judicieux ni admissible. Pour citer Elena Goukassian dans Hyperallergique : "L'art n'a jamais existé dans le vide, et les œuvres contemporaines, en particulier, nécessitent souvent au moins un peu d'informations de fond." Recevoir une image uniquement d'un point de vue esthétique et émotionnel revient à nier une partie importante de l'œuvre d'art. Ce n'est que lorsqu'elle est vue dans son contexte que l'œuvre d'art peut non seulement être vécue, mais aussi comprise. Même de nombreux artistes de la peinture monochrome ont rédigé des manifestes, par exemple Barnett Newman ou Lucio Fontana, qui rendent leurs intentions d'abord compréhensibles. On pourrait cependant appliquer l'approche de Findlay à ces œuvres d'art : d'abord, regarder les peintures dans un cube blanc, pour ainsi dire, puis obtenir des informations par la suite. Mais il me semble que cela n'est vrai que pour un petit nombre d'œuvres d'art et de travaux.

À la fin de la lecture, je suis coupé en deux. Le livre m'a certainement inspiré à traiter l'art de façon plus consciente une fois de plus et à donner plus d'espace à l'émotion. C'est certainement une invitation importante que l'on pourrait suivre lors du #SlowArtDay. D'un autre côté, je suis plus que sceptique quant à la possibilité de réaliser le concept sans aucun encadrement. Sans médiation, une large masse ne réussira certainement pas à y accéder. Mais pourquoi ne pas essayer de traiter numériquement le discours de Findlay sur l'art fictif pour guider le regard sur l'art ? ("Achieving contact" p.149-158) ? Ses bonnes idées devraient être conciliées avec la médiation culturelle (numérique) avec un peu d'imagination. Cela vaut également pour les possibilités de reproduction d'images numériques, par exemple dans les collections en ligne. Elles ne servent pas réellement à la jouissance de l'art, ces reproductions ne veulent pas remplacer l'original. Ou la possibilité d'une conversation entre amis sur des œuvres d'art, inspirée des images Museum Selfies ou Instagram par œuvre d'art. Tout est une question de pondération. Le plaisir de l'art ne peut être apprécié qu'en face de l'original. Mais ce n'est en aucun cas tout ce que les musées d'art et la médiation culturelle peuvent offrir.

En conclusion, Findlay jette un nouvel éclairage sur une vieille discussion, mais sans la citer directement. Les controverses des années 60 et 70 sur les cubes blancs et les boîtes noires ne sont, au mieux, qu'effleurées en passant, et les avantages et les inconvénients de ces positions ne sont pas reçus. Ce que Findlay ignore aussi complètement, à mon avis, c'est le fait que non seulement le monde des musées, mais surtout la société sont en train de subir des changements radicaux. Cela signifie non seulement un changement dans l'utilisation des médias, mais aussi une fragmentation des groupes de visiteurs ayant des antécédents éducatifs et culturels différents, une approche beaucoup plus participative qui peut s'exprimer dans les commentaires et la communication dans les médias sociaux. De nombreux autres aspects pourraient être mentionnés ici. Sa méthode de réception postulée peut être praticable pour une petite partie de la société, mais il n'y a pas seulement LA seule approche universellement valable.

En tout cas, je souhaite que nous puissions tous (et pas seulement) le #SlowArtDay 2018 nous engager dans l'art juste pour le plaisir, tout en étant capables de percevoir et d'accepter les opportunités de la médiation de l'art (numérique).